Katatonia en Sudamérica!

¿Un deseo finalmente a realizarse? Al menos para mí así lo sería si viviera en una de la afortunadas ciudades donde la gran banda Katatonia tocará en su ya anunciada gira sudamericana.

"New Night overs South America 2011" es el nombre del tour, que muchos creo yo han estado esperado. El mismo, continua la gira de su último disco de 2009, Night is the New Day.

Con buenas y no tan buenas críticas del nuevo disco, personalmente encuentro en Katatonia una banda que nunca deja de sorprenderme y lo más importante, que siempre disfruto escuchar de principio a fin.

Aquí las fechas confirmadas de la gira:

Febrero 22 - Colombia, Bogotá
Febrero 24 - Chile, Santiago de Chile
Febrero 25 - Argentina, Buenos Aires
Febrero 26 - Uruguay, Montevideo
Febrero 27 - Brasil, Sao Paolo

En Santiago, los teloneros serás las bandas más representativas de la escena doom Chilena, Poema Arcanvs y Mar de Grises.

Sinceramente espero poder pronto verlos en vivo, otra de las bandas en mi lista y bien arriba!

Agalloch – Marrow of the spirit (2010)

Casi cerrando este año, los dejo con la revisión de unos de los mejores discos de este año.

Procedentes de Portland (Oregon), Agalloch plasma en este disco, una vez más, todo ese aire melancólico y ambiental, íntimamente conectado con la naturaleza y con sus raíces culturales tradicionales.

La banda liderada por John Haughn, nos presentan en esta ocasión un trabajo un poco diferente en comparación a sus anteriores discos. Indiscutiblemente es palpable la evolución lógica en el sonido de la banda. Sin embargo, nos encontramos ante el mismo paisaje sonoro ambiental característico, pero maduro y totalmente consolidado.

Este es un muy buen disco, comparable sin lugar a dudas con The Mantle, para mí uno de los mejores discos de Agalloch, primeramente por ese aire triste y melancólico y por otro lado por la fuerza que alcanzan en canciones más duras como You were but a ghost in my arms. Los discos siguientes Tomorrow Will Never Come o Ashes Against the Grain, mantienen esta misma línea folk metal cada vez más progresiva, que alcanza su máxima expresión en este Marrow of the spirit.

Una de las diferencias más notorias con los discos anteriores, es la influencia de la música Black mucho más acentuada, tanto en las melodías y riffs, como en las voces (ojo con las voces desgarradoras de Black lake Nidstang).

Este es un disco 100% Agalloch, sin embargo también pueden encontrase una serie de detallitos que enriquecen al disco en su conjunto. Nuevamente tomo como ejemplo la canción antes mencionada, una canción larguísima de casi 17 minutos, con una parte introductoria más black, para llegar a la parte central mucho más ambiental, que va evolucionando hacia una especie de experimentación sonora, que incluye muchos elementos post-rockeros, para terminar en un desenlace épico y además típico de la banda.

Ghosts of the Midwinter Fires, es otro ejemplo de esta búsqueda de nuevos sonidos, sin perder el enfoque característico de la banda. Finalmente el corte que cierra el disco, To drown, con una parte final oscura, un black ambiental triste, melancólico, cadencioso, denso y muy atmosférico, muy en la línea de bandas como Wolves in the Throne Room.

El trabajo de las cuerdas, chelos y violines, tienen un gran peso en este disco, ya que precisamente son ellos los encargados de crear esa atmósfera melancólica y serena que fluye a lo largo de todo el disco.

En resumen, un disco muy interesante. Posiblemente el más complejo musicalmente hablando, que Agalloch grabó hasta la fecha. Comparto también, la idea expresada por nuestro amigo Ryszard (Frecuencias en el Espacio), quien sostiene que este es un trabajo totalmente vanguardista, enmarcado en las nuevas tendencias del post-black metal.

A este disco hay que escucharlo con calma para poder entenderlo y sentirlo. Sin ninguna discusión, uno de los mejores discos del año.

Jesu – Christmas (2010)

Esta es una más de esas figuras musicales que Justin K. Broadrick suele publicar, un poco a la ligera, con su banda principal Jesu.

Aunque, su primer LP tiene dos de mis temas favoritos de toda la vida (We All Faulter y Tired Of Me), quedaba claro entonces, y después del excelente EP, Silver, que el sonido de Jesu llegaba a ser un poco más apto para Cortas Duraciones. Sin embargo, el 2007, el segundo LP, Conqueror, demostraba que Jesu, ahora si, podía capturar el bosque sin perderse en los árboles, mostrando un mundo moderno gris, pero con luz, en un Larga Duración increíblemente bueno.

Un músico cuya adicción al trabajo podría ser su talón de Aquiles: Varias colaboraciones con artistas consagrados, “Splits”, vinílos, EPs y hasta una canción de 49 minutos llamada acertadamente Infinity, demostraron que aunque Broadrick podría ser un alquimista transformando todo lo que toca en oro, a veces, en la realidad producía sencillamente plata. Cantidad en vez de perfección.

El sonido clásico de Jesu, es una especie de drone/post-metal con aire metálico (en el sentido literal, no musical), acompasado y melódico, muy concentrado en el ambiente que dan las teclas, la guitarra eléctrica y la voz limpia; con una producción un tanto sucia que otorga al sonido final un efecto muy orgánico. Shoegaze “post-moderno”?

1. Por ejemplo Christmas es un característico reflejo del sonido de la banda, todo sincopado de una manera casi mecánica, donde sale a flote un sonido natural, gracias a la distorsión de la producción. Además, hay que destacar la esperanzadora voz de este músico.

2. Christmas (Pale Sketcher Remix) es un remix hecho por su proyecto Pale Sketcher. Las voces, con más efectos, están enterradas en la mezcla, con la percusión y el bajo muy fuertes. Versión más electrónica, pero para nada despreciable por eso. Es como si te la pasaras los 5 minutos flotando. Tal vez mi favorita de este disco, me hace recuerdos a Ulver.

3. Christmas (FINAL Remix) también es un remix, esta vez del proyecto FINAL. Desde la perspectiva de este proyecto, se transforma la canción, presentando un paisaje desolador, noise, ambiental, largo y complicado, sin rastros de percusión. Un poco al estilo de Eluvium.

Con esta última canción termina la mutación de Christmas. Un EP que me tendrá por lo menos un momento, entretenido, amargado o feliz.

El único “problema” de Jesu es que saca por lo menos tres discos al año, por lo que le es difícil mantener la consistencia. No obstante, el material nunca llega a ser malo desde un punto de vista artístico. Aquí tenemos un evocativo EP para escuchar, mejor con audífonos, en esta extraña época del año.

"Inspired by the onset of the Christmas period and the emotions and feelings of nostalgia, joy and sadness that the period often evokes."
Justin K. Broadrick

Il Movimento Italiano

Para esta revisión tripartita, quiero presentar brevemente 3 bandas italianas, de las cuales probablemente alguna, acabe en las listas como lo mejor del 2010. Amia Venera Landscape, One Starving Day y Viscera///, han presentado discos con creaciones, acordes al momento musical que vivimos hoy en día, presentándose así como bandas con un fuerte presente y con grandes propuestas para el futuro del metal italiano y del metal en general.

Amia Venera Landscape – The Long Procesión (2010)

“The Long Procesión” es un álbum que muestra a una banda bastante difícil de etiquetar, hecho positivo desde ya. Su sonido se describe en la vena de bandas como Dillinger Escape Plan y Converge por un lado, pero además, con la capacidad de poder sumergirse en elementos característicos de Knut, Cult of Luna y hasta Deftones, por otro lado. En cada uno de los temas presentados aquí, la inspirada instrumentación de los músicos, se evidencia en los quiebres que demuestran una excelente técnica musical, riffs brutales y agresivos que terminan dominando las caóticas composiciones. Interludios de pianos, sintetizadores y sonidos etéreos dan a este álbum, características distintas a las acostumbradas por otras bandas que desarrollan el mismo género. Amia Venera Landscape, presenta una producción sin fallas y donde uno se encuentra con momentos de intensa belleza y agresividad. Es un trabajo en el cual se nota la destreza y habilidad de sus músicos, además contar con ese efecto necesario para “mover” al oyente a medida que el disco va avanzando. En definitiva un excelente álbum, que los coloca como una banda a seguir, si tus gustos musicales tienden por ahí.

One Starving Day – Atlas Coelestis (2010)

One Starving Day, es una banda con un sonido que ha estado evolucionando durante estos años hacia géneros como el post-metal, el rock progresivo y el doom, siendo “Atlas Coelestis” el resultado de este proceso. El impacto de One Starving Day y este cuasi instrumental disco, ha sido definitivamente oscuro y hasta claustrofóbico: sus estructuras enrevesadas, los resquicios cósmicos, la profunda intimidad y la aparente calma, dan a este álbum una fuerza y un carácter indiscutible. La utilización de instrumentos como el saxo, el cello, los teclados, el melotron, han ampliado su territorio sónico, llevando las composiciones a sonidos ambientales, pasajes lentos y disonancias complejas. Cada tema tiene su propia dinámica, aunque el álbum en su totalidad resulte homogéneo y denso, pero coherente. Fulminantes riffs que al poco rato se vuelven lentos y luego dejan paso a sonidos acústicos y suaves; contrastan con sonidos estirados y discordantes. "Atlas Coelestis" es un álbum que requiere mucha atención por parte del oyente, pero que con seguridad, tiene su recompensa.

Viscera/// - 2: As Zeitgeist Becomes Profusion of the I (2010)

Viscera/// es una banda con miembros que provienen de Cremona y Piacenza; y que se autoidentifica como un grupo de metal experimental y psicodélico. Su disco “2: As Zeitgeist Becomes Profusion of the I” contiene 4 temas (The Ballad of Barry L, Hands in Gold, Hum ad-Dunia y The Feel Like Co2), de duración larga y melodías densas. Todos sus temas cuentan con voces limpias, que por momentos interactúan con voces guturales y que guían los ritmos cambiantes y progresivos. Cada canción está plagada de momentos lentos, que de repente se ven acelerados y llenos de agresión; donde las melodías se justifican por sí solas entre momentos de característica black y ritmos sludge, surtiendo de mucha dinámica y cohesión a este extraño pero interesante disco.

Yog-Sothoth: Hypnotic Crushery (2010)

Hace unos días, y de pura casualidad, encontré la página del sello Yith Recordings. Confieso que nunca antes había escuchado de este sello, y mucho menos de las bandas pertenecientes a él. Sin embargo, el descubrimiento valió la pena, ya que en esta página es posible encontrar el material de estas bandas: Tarrasque, The Kafka Dreams, Dreamless, Umbra y la que más me llamó la atención: Yog-Sothoth.

Resulta que esta banda está conformada por Ben Zientara y Cory Strand, propietarios de Yith Recordings y también miembros de las bandas antes mencionadas.

Yendo al disco en cuestión, dos cosas que me llamaron la atención casi de manera inmediata. Primero, el nombre de la banda: Yog-Sothoth, uno de los dioses primigenios de los Mitos de Cthulhu de H.P. Lovecraft. El guardián de las puertas, el sabio omnipresente atrapado en los confines de nuestro universo, ansiando siempre su retorno. Y otro detalle, el nombre del sello, que también hace referencia a la Gran raza de Yith, seres cónicos que intercambiambiaron sus mentes con la de los terrícolas para salvarse de la destrucción de su planeta.

Segundo, la portada misma del disco, un paisaje submarino, a la vez tranquilo pero inquietante. Era presumible encontrar algo interesante detrás de esta combinación.

Yog-Sothoth, es una banda proveniente de Minneapolis. Según la banda, el sonido que practican es una especie de drone, noise y algo de rock psicodélico. A esto, yo añadiría que también tienen un aire post-rock, muy clásico y denso en la onda de 5ive o Windmills by the Ocean.

Hypnotic Crushery es un disco instrumental. El sonido general me gusto mucho. Riffs duros, muy pegadizos, con un aire oscuro y muy inquietante. Hipnótico, tranquilo por momentos, denso y agresivo en otros, pero siempre manteniendo esa tensión e intensidad.

A man needs a firm handshake, Hypnotic crushery y Wet, primative Earth towel, son puntos altos del disco.

Una muestra más de que este movimiento está en constante crecimiento y expansión. Un disco recomendado para todos los seguidores de este estilo.

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Enslaved – Axioma Ethica Odini (2010)

“Axioma Ethica Odini” es el título que lleva la última entrega de esta excelente banda. Desde la salida de su álbum del 2003 “Below the Lights”, algo totalmente distinto se fue generando. A partir de ese momento y con la posterior llegada de: “ISA” (2004), “Ruun” (2006) y “Vertebrae” (2008), este quinteto de noruegos se posicionó como una banda que, además de interpretar cabalmente un personal estilo de black metal vikingo, le fue añadiendo elementos progresivos, como solamente ellos pudieron desarrollarlo en sus 19 años de trayectoria; con agudeza suficiente como para profundizar su propuesta en cuanto a lo musical/discursivo y que a medida que va acumulándose su discografía, esto sólo se reafirma.

El álbum empieza con fuerza, elemento habitual de la banda y que funciona a la perfección. Ethica Odini inicia lo que uno iba previendo: progresiva energía. Mientras las voces guturales del gran Grutle Kjellson se entremezclan con las limpias de Herbrand Larsen más que anteriores trabajos. El ritmo y el disco mismo, se acelera en Raidho, evidenciando las intenciones de la banda de no entregar la creación musical a soluciones sencillas. Waruun es presentada de manera lenta pero cargada de progresión tanto musical como lírica; es una de las canciones donde se pueden identificar ciertas influencias nuevas, unas que no habían salido a flote en anteriores discos y que muestran ciertos atisbos de cambio a la hora de componer de estos músicos para el presente disco.

En The Beacon se oye un Enslaved conocido, pero no por eso aburrido, el trepidante ritmo de la batería de Cato Bekkevold, la convierte en una de las canciones con mayor aura black del disco. Giants genera fuerza y pesadez contundente; una vez más, la mezcla de elementos progresivos y black son ejecutados excepcionalmente. Las guitarras de Ice Dale e Ivar Bjørnson cobran mucho protagonismo en Singular, esto debido a las espléndidas melodías de sus riffs, convirtiéndola en uno de los puntos más altos del disco. Luego, Night Sight emerge como una canción, donde a ratos uno se topa con un rock psicodélico que poco a poco se va transformando y uniendo a la agresividad conocida de estos nórdicos; Finalmente Lightening cierra el álbum de manera melódica, concluyendo el axioma y dejando con ganas de volverlo a oír mucho más, con mayor atención, memoria, calma y en circunstancias distintas.

Enslaved siempre fue una banda a la cual se le debe escuchar varias veces, ya que siempre que se oye de nuevo uno de sus discos, aparecen detalles o arreglos que antes había pasado desapercibidos, esto no ha cambiado. El Axioma propuesto aquí es el que vienen manejando musicalmente, desde discos atrás. Una fórmula que actúa como punto de partida para demostrar otras fórmulas. Esto teniendo en cuenta que conceptualmente, los axiomas se eligen de entre las demás fórmulas por ser "verdades evidentes", Enslaved pareciera que aplicara esto a su música; demostrando que con el manejo adecuado de sus características musicales antes establecidas, se puede “crear de nuevo”. Lo “vikingo” se quedó en las letras; la forma de hacer música es de una banda de metal progresivo actual.

Cuando bandas de mucha trayectoria y peso se encuentran ante la encrucijada de si seguir por el mismo camino que les trajo éxitos y victorias; o cambiar, progresar e intentar nuevos caminos, aunque signifiquen derrotas; Enslaved muestra que con una fórmula parecida y sin ser este trabajo su más sólido, su excelente condición está asegurada aunque sea por un tiempo más; apostando a la preservación de estas "verdades evidentes". Por ello, este es uno de los mejores discos del 2010 y Enslaved una de las mejores bandas de nuestros tiempos.

Deep Purple - Come Taste The Band (1976-2010) (escrito por Jorge Valda)

La pregunta que acosó por mucho tiempo a la comunidad purplediana, fue si es que el Come Taste The Band iba a ser reeditado; y por un tiempo nuestras esperanzas se vieron truncadas pues según EMI, los master tapes se habían extraviado. Para el asombro de muchos, el 2007 salió una edición remasterizada que sorprendió a más de un escucha; el sonido era claro, nítido, bastante sólido pero decepcionante con relación al trabajo que se hizo con los otros discos de Purple; además, nadie supo con certeza de quien fue la idea o la fuente del material con el que se hizo la mezcla. Ese parecía ser el punto final de una larga espera y contra todo pronóstico, a finales del 2009 EMI anunciaba con pompa el redescubrimiento de las cintas perdidas.

Hughes volvió para supervisar el proyecto pero su trabajo en el Stormbringer dejó mucho que desear y fue discretamente apartado para darle lugar a un discípulo de Birch, el ya legendario Kevin Shirley. El resultado sobrepasó todas las expectativas, el sonido límpido y cristalino revitalizó por completo un disco controvertido y prácticamente olvidado. El formato final contiene dos discos, similar al packing que fue utilizado para el Machine Head, el primero es la edición remasterizada cuyo sonido es bastante opaco y no es realmente comparable con el de sus antecesores aunque se hicieron notables mejoras y sobrepasa con creces el parco intento del 2007; en el segundo, los remixes, la cosa cambia por completo, el sonido es mucho más potente, los instrumentos están claramente separados y uno puede distinguir con claridad los pequeños detalles que fueron enterrados en la mezcla original. En suma, es una experiencia totalmente nueva escucharlo desde esa perspectiva, es tal vez uno de los mejores trabajos que se hizo en la serie de los remasters pues si bien los remixes aportaron cosas interesantes nunca fueron elementos sustanciales en la discografía de Purple, salvo e el caso del Fireball y del Machine Head; pero en este caso me atrevería a decir que la versión remezclada es muy superior a la original, la sustituye para convertirse en el sonido de referencia para una nueva generación de fanáticos.

El Come Taste The Band contiene una fuerte carga emotiva, es el disco que cierra una era, los días gloriosos que coronaron a Deep Purple como uno de los pioneros del metal, antes de convertirse en una caricatura de sí mismos en una reunión forzada que solo produjo aberraciones sonoras que quedarán en el olvido. Pero también es un disco que sigue dividiendo a los fanáticos, los elementos funk y soul fueron percibidos como un sacrilegio por los puristas; sin mencionar la ausencia de Blackmore. En fin, la banda se embarcó en una gira catastrófica en la que las rencillas internas, el uso intensivo de drogas y la fatiga psicológica, mellaron los cimientos de la banda. Cómo olvidar los gritos enfurecidos del público, el nerviosismo y las frustraciones de Bolin, que en más de una ocasión intercambió insultos con la audiencia, el descontrol de Hughes, enterrado en su adicción por la cocaína, la resignación de Coverdale, que ya estaba buscando músicos para un nuevo proyecto, y el desencanto de Lord, quien decidió ponerle un punto final a la aventura púrpura. Ese tormentoso epílogo es lo que convierte a Deep Purple en una leyenda.

Escrito por Jorge Valda

Lavinia – There is Light Between Us – EP (2010)

Lavinia es una nuevo proyecto gringo en la vena post rockera de bandas como Mogwai, This Will Destroy You, Mono, Pelican, y donde se nota una influencia también, de consagradas bandas como Red House Painters y The Cure; donde la creatividad musical, al parecer, no se limita. Cuenta con miembros de Caspian, Eksi Ekso, The Burning Paris, On Fire, The Fatal Flaw. Si bien es bastante desconocida por el momento, con la salida de este su primer trabajo tienen la seria intención de empezar a manifestarse públicamente.

“There is Light Between Us” es un cautivante EP de aire indie, que a pesar de estar lleno de sonidos y voces esperanzadores, se siente indiscutible melancolía en sus acordes. Son 5 canciones que de manera progresiva muestran más allá de estados de ánimo solamente y llevan al oyente a sumergirse en un mar de oscura quietud y tranquilidad. Es una escucha de 28 minutos llena de matices, visiones y profundidad.

Una muy grata sorpresa haberme topado con este EP. Su aparición se anuncia con un futuro esperanzador de buena música. Recomendado para aquellos que gustan este tipo de rock calmo y consistente.

Intronaut – Valley of smoke (2010)

Sin lugar a dudas, y afortunadamente, somos testigos y espectadores de un nuevo recambio musical que se está dando a nivel mundial.

Durante estos últimos años, la escena “metalera” mundial tuvo como principal referencia musical a los países escandinavos. Sin embargo, daría toda la impresión que este movimiento ha quedado un poco estancado. Lo que sí ha proliferado en toda Europa es el llamado Avant-garde, en realidad una etiqueta, bajo la cual se incluyen a bandas progresivas o en realidad eclécticas, de varios géneros musicales, con propuestas musicales más innovadoras o poco convencionales. Lastimosamente, la mayoría de estas bandas también han caído en una repetición de los mismos modelos y formulas, llegando a saturar a este género entre comillas.

Entonces, las preguntas que nos hacemos son: ¿Qué vendrá después, que propuestas nuevas hay actualmente, hacia donde vamos?

Un hecho que esta pasando desapercibido es precisamente, toda la movida que ha ido gestándose durante la última década en los Estados Unidos. Me refiero a toda la movida del post-rock. Movimiento más experimental, que tiene sus orígenes en bandas precursoras como Tool, Isis, Neurosis, Godflesh, Sunn O))), Earth, The Gersch, Windmills by the Ocean o los mismos Melvins.

Durante muchos años este movimiento se mantuvo a un nivel under-ground. Sin embargo, en los últimos años ha ido saliendo a la luz, gracias al éxito de bandas como Isis, Baroness, Kylesa, Mastodon, Between the Buried and Me, Minsk y bandas similares relacionadas a esta movida, como por ejemplo Nachtmystium, Twilight o Wolves in the Throne Room, más emparentadas con el post-black. Y precisamente, una de las bandas destinadas a portar en lo alto la bandera de este movimiento es Intronaut.

Intronaut es una banda procedente de Los Ángeles, California. Liderada por el cantante y guitarrista Sacha Dunable, se caracterizan por desarrollar un metal progresivo muy innovador, hecho que los ha vinculado precisamente con las nuevas corrientes estadounidenses del post-metal.

Void del 2006 fue su primer trabajo, seguido por Prehistoricism del 2008, muy en la onda de bandas contemporáneas como Mastodon, pero también con la influencia de bandas progresivas como Cynic. No por nada, a principios de año fueron invitados como teloneros en la gira del “Re-Traced/Re-Focused Tour” de Cynic, en la cual también participaron los estadounidenses Dysrhythmia.

Valley of smoke, esta destinado a ser un disco clásico dentro de este tipo de música. Es tan así, que en muchas revisiones, este trabajo ha sido considerado como un disco clave, que ha posicionado a Intronaut como una de las bandas vanguardistas y más prometedoras dentro de toda la movida post-rock-metal, destinada a ocupar el trono abdicado por Isis, luego de haber anunciado su separación oficial.

Esto no es poca cosa. El disco presenta intrincadas estructuras musicales, con ritmos y melodías que recuerdan a los ya mencionados Cynic, pero también, y valga la redundancia, a bandas más contemporáneas como Isis, Mastodon e incluso Tool. Como dato extra, es precisamente el bajista de esta última banda, Justin Chancelor, quien participa como músico invitado en este disco.

Con esto no quiero decir que nos encontramos ante una copia de las mencionadas bandas. Son simplemente influencias que corren a lo largo del disco. Intronaut es en sí misma una excelente banda, capaz crear las más complicadas tramas sonoras, que van desde lo ambiental, a lo jazzero, pasando por lo post, para culminar en secciones metaleras de una complejidad asombrosa.

Componen este disco: Elegy, Above, Miasma, Sunderance, Core relations, Below, Valley of smoke y Past tense. Ocho cortes que te transportaran a un viaje por el valle del humo… o, tal vez y precisamente, un viaje por ese mundo todavía vaporoso y medio escondido del cual va emergiendo Intronaut.

Atheist – Jupiter (2010)

Después de casi 17 años, salió el cuarto disco de estudio de esta extraordinaria banda. Recordemos que Atheist fue una de las bandas más innovadoras de la escena del death metal de Florida de la década de los 90.

Desde sus inicios, la banda liderada por Kelly Shaefer se caracterizó por tocar un death metal agresivo, intrincado y caótico, con un fuerte componente progresivo, principalmente en las líneas de bajo del ya desaparecido Roger Patterson y en las guitarras de Shaefer y Rand Burkey.

Luego de una serie de trágicos sucesos, en 1993, la banda lazaría el que hasta la fecha ha sido su mejor trabajo: Elements, una obra maestra dentro del metal, que aun que no lo crean, fue compuesto y grabado en menos de 40 días.

Después de más de una década, los miembros originales de la banda, Shaefer y el baterista Steve Flynn, volvieron al estudio acompañados por dos nuevas incorporaciones Chris Baker y Jonathan Thompson, ambos miembros de Gnostic, proyecto paralelo de Flynn.

Como dato curioso, el disco está dedicado a la memoria de Roger Patterson. Según palabras de Flynn, “uno de los músicos que más aportó e influencio en la escena de finales de los 80 y principios de los 90, explorando nuevos terrenos e incitando siempre a músicos contemporáneos y amigos, a seguir progresando y mejorando en la música que hacían”.

Jupiter, es un disco que da la talla. Mantiene toda la esencia característica de la banda y nos transporta a al sonido clásico del Unquestionable presence. Luego de todos estos años de ausencia, ¡Atheist está de regreso!.

Second to sun, Fictitious glide, Fraudulent cloth, Live and live again, Faux King Christ, Tortoise the Titan, When the beast, Third person, son los cortes que componen el disco. Temas duros, agresivos e intensos de principio a fin. El estilo de cantar de Shaefer se mantiene casi incorrupto, agresivo y directo, pero a la vez consistente. El trabajo de Flynn es impresionante, al igual que el trabajo de las guitarras, muy melódicas y limpias… impecables.

Jupiter es una excelente muestra de la persistencia y perseverancia, pero también de la dedicación y madurez de su líder Kelly Shaefer, y marca además con mayúsculas, el regreso y la consolidación musical de esta, ya mítica banda.