domingo, 20 de noviembre de 2016

Bölzer – Hero (2016)


En muy poco tiempo, con solo un demo “Roman Acupuncture” (2012), y 2 EPs “Aura” (2013) y “Soma” (2014) antes de este su primer LP, Bölzer, un dúo proveniente de Zúrich Suiza, se convirtió en una banda que causaría bastantes expectativas por aquellos tres breves trabajos para mucha gente; por lo que para este debut, su salida ya agitaba las aguas fuertemente bajo especulaciones de todo tipo.

En este contexto, para este héroe, si bien los Bölzer lo adornan todavía con una estructura musical similar a sus mencionados primeros trabajos, donde ese black/death semi disonante todavía ruge, pero el sonido y la producción en general se limpian y liberan, mientras se inclinan un poco más hacia el black e incluso hacia los maravillosos ambientes de los grandes Valborg, donde las pulidas guitarras y voces de KzR se convierten en los puntos más altos del disco y establecen una diferencia marcada de entrada al no olvidar que este es recién su primer disco...


“Hero” corre riesgos y no se queda con lo previamente establecido, para aquel que haya prestado atención en los dos eps anteriores, se dará cuenta que en cada trabajo la banda sigue expandiendo su singular visión musical y se dirige a lo que busca concretamente.

Las 9 canciones del disco proveen de una especie de espiritualidad tribal al disco, donde sus líricas sobre paganismo, rituales, ocultismo, esoterismo, esplendor y muerte, (imaginadas en parte como en la portada del disco), encuentran una base sustentable para desatar todas sus creencias: The Archer, Hero, Phosphor, I am III, Spiritual Athleticism y Chlorophyllia, se convierten no solo en la médula espinal del héroe, sino en los pasajes por donde circulan creencias milenarias posiblemente basadas en la idea del equilibrio entre las fuerzas de la naturaleza y la dualidad existente en todas las cosas, aunque en el resultado final la sombra siempre termine ganando; creencias que se generan a partir de Urd, Decima y Atropos.


Estos cambios en su sonido, los cuales ya han suscitado críticas en algunas otras revisiones que leí, y con las cuales no comparto ya que me parece que tener un disco debut de esta calaña es algo no solo para destacar, sino para que esté entre lo mejor del año con tranquilidad; cambios que presentan una banda con una idea final clara y ya establecida.

En definitiva un gran disco, uno que presenta varios elementos para analizar y que coloca a Bölzer en la lista de bandas que justamente buscamos, de esas que todavía siguen impulsando el infinito uroboros que habitamos.

Gracias a Krups of Doom por proveer las fotos en vivo de la banda!


jueves, 17 de noviembre de 2016

Pink Floyd – The Early Years (1965 – 1972)


Durante décadas los fans hemos reclamado material en vivo y durante décadas, mucho de ese material circuló como bootleg. Pink Floyd nunca se ha caracterizado por ser una banda que tome en cuenta la opinión de los fans y muchas veces bloquearon los intentos por sacar material inédito. Por ello este box-set es un sueño hecho realidad. No tiene muchas sorpresas pero al fin contamos con todo este material editado profesionalmente con una excelente calidad de audio y de video. 

En 2011 se inició la campaña Why Pink Floyd? el fruto de un vasto trabajo de redición y remasterización.  De todo lo publicado se destacan los Immersion box-set, del Dark side of the Moon, Whish you Where Here y The Wall; se hizo un gran trabajo agregando mucho material inédito y cortes en vivo. Es algo con lo cual hemos fantaseado por mucho tiempo. El gran ausente de esa etapa es el Animales y hubiera sido interesante contar con una versión expandida de ese disco; no existen cortes en vivo de esa gira, los Floyd nunca la grabaron, el público sí lo hizo y hay varios bootlegs pero la calidad del sonido es muy deficiente. Es una pena y es el gran vacío que deja todo esto.

Con la edición de este nuevo box-set tenemos por primera vez un panorama muy completo  de las diferentes etapas de Pink Floyd en vivo y en estudio, me es difícil contener mi emoción.

Volumen 1 1965-1967: Cambridge St/ation



El primer disco no tiene muchas sorpresas; las primeras seis canciones fueron editadas el 2015, en el EP 1965: Their First Recording. Es todo lo que queda del primer Pink Floyd con Bob Klose  en la segunda guitarra. Si bien son canciones con un sonido muy propio de los sesentas el estilo de Barrett ya marca una diferencia y creo que es una adición muy interesante al catálogo de la banda. La siguientes cinco canciones, son los singles que todos conocemos de la era Barrett y que fueron editados y reeditados varias veces en diferentes versiones. Las seis canciones que cierran este primer disco, son las mezclas que se hicieron el 2010 cuando salió el recopilatorio An Introduction to Syd Barrett, aunque la única canción incluida en ese momento fue Matilda Mother. Desde luego aquí lo que se destaca son las tres últimas, las que cierran la primera etapa de la banda. In the Beechwoods  es una canción que nunca fue terminada porque Barrett ya no estaba en condiciones de grabar. Al respecto, se ha escrito mucho, lo caótico que fueron las últimas sesiones, la dolorosa determinación de la banda y lo complicado que fue grabar el Madcap Laughs. Scream thy Last Scream y Vegetable Man, son canciones muy conocidas en el medio, en más de una ocasión la banda se opuso a su inclusión en algunos recopilatorios y es la primera vez que son editadas de manera oficial.  

Fue una etapa muy dura, es hasta doloroso escuchar esas tres últimas canciones pero era necesario incluirlas. El segundo disco es más interesante la primera parte es el legendario concierto en Estocolmo 1967, es el único en vivo con Syd Barrett del que se tiene una grabación completa y de buena calidad. Realmente es una adición más que necesaria, muestra todo el potencial de la banda, pese a todas las dificultades técnicas, las voces son casi inaudibles. La segunda parte del disco son las John Latham Sessions, de las cuales había constancia; en lo personal nunca las había escuchado. Son una serie de improvisaciones bien psicodélicas, interesantes pero prescindibles y con ello se cierra definitivamente la etapa Barrett.  Pero lo que se destaca sin duda es la calidad de la imagen; el trabajo de restauración es extraordinario; mucho del material publicando ha circulado entre los coleccionistas pero nunca con esta calidad. No todo el material es interesante y se lo pudo haber ordenado de otra manera, las BBC sessions por ejemplo copiladas en un par de discos y se pudo hacer mayor énfasis en el material en vivo, el concierto en París de julio de 1970 que tienen una excelente calidad de audio pudo haber sido reeditado.   

Volumen 2 1968: Germin/ation



Aquí tampoco hay muchas sorpresas, las cuatro primeras canciones son los primeros singles ya con Gilmour y las dos primeras nunca me gustaron. Las canciones cinco y seis, nunca las había escuchado y ni sabía que existían Song 1 y Roger’s Boogie, muy al estilo del Pink Floyd de esos años, experimental y etéreo; interesante pero igual prescindible. Las siguientes son las BBC sessions de ese año, nada nuevo; la calidad de audio es mejor de lo que recordaba, salvo en la última canción, Interstellar Overdrive. Lo que se destaca sin duda son Murderotric Woman y The Massed Gadgets of Hercules, versiones muy interesantes y todavía en desarrollo de canciones más conocidas y justamente ese tal vez es el mayor reproche; hay demasiadas versiones de Careful with That Axe, Eugene, A Saucerful of Secrets y Set The Controls For The Heart Of The Sun. Es la base del set-list de ese periodo pero es innecesario repetirlas hasta el cansancio. 

El segundo disco es más interesante, son presentaciones en vivo y apariciones en programas de televisión con una gran calidad de video. Es la contraparte, Pink Floyd siempre fue una banda visual, ahí se destacan las versiones, de Let There Be More Light, rara vez interpretada en vivo, Instrumental Improvisation en The Sound Of Change, Interstellar Overdrive en Pop 68 y Flaming, toda una rareza en vivo. Pero algo que no entiendo es porque tienen que incluir un DVD y un Blu-Ray con el mismo material, me parece bastante insulso. Se pudo aprovechar mejor ese espacio, existe bastante material para eso.

Volumen 3: 1969: Dramatis/ation



Aquí la cosa se pone más interesante, las versiones de Theme y More Blues son realmente excelentes y las voy a escuchar con bastante frecuencia. Las BBC Sessions son igual más interesantes y de mejor calidad, combinando canciones del Ummagumma y del More, junto con una versión corta de Careful with That Axe, Eugene; es un bonito set y son cosas que de seguro voy a seguir escuchando en años venideros. La última parte de este disco es el legendario Live at The Paradiso, que también circuló durante décadas pues era uno de los pocos bootlegs con un buen audio, aunque se trata de una grabación parcial. En el segundo disco por fin tenemos una versión oficial de The Man and the Journey, el espectáculo más ambicioso que Pink Floyd puso en escena hasta ese momento. A lo largo de los años se han editado varias versiones con una calidad bastante regular, tenerlo en este compilado es muy gratificante. Era perentorio incluirlo, la banda bloqueó varias veces su edición pues a juicio de Roger Waters nadie estaría dispuesto a escuchar grabaciones en vivo; por suerte recapacitó. Solo con esto estaría plenamente satisfecho. 

En el DVD, nuevamente tenemos cosas muy interesantes pero lo que se destaca es la versión visual, aunque parcial de The Man and the Journey; ni sabía que existía. Y el bonus es la famosa versión de Interstellar Overdrive con Frank Zappa; me hubiera gustado que incluyan más material de ese concierto. 

Volumen 4: 1970: Devi/ation



Aquí se viene todo lo que he estado esperando, desde que descubrí Pink Floyd, al fin tenemos versiones en vivo de Atom Heart Mother. En lo personal me habría gustado que incluyan todo el concierto de Montreux, pues tiene un buen sonido y un set-list muy interesante. Se nota todo el trabajo de remasterización aunque todavía se evidencian los problemas técnicos de la grabación de origen. Espero que en algún momento el concierto sea reeditado. Embryo, es una canción que funciona muy bien en vivo, y esta versión –grabada para la BBC– da testimonio; ya anticipa algunas partes que serán incluidas en Echoes, algún tiempo después. De Fat Old Sun, existen mejores versiones, incluyendo la del Montreux 1970, pero es una canción hermosa y la disfruto mucho, de hecho el Atom Heart Mother es uno de mis discos favoritos. Lo que sigue es Green is the Colour y la infaltable Careful with That Axe, Eugene. If, es una canción muy emotiva, desgarradora; no hay muchas grabaciones en vivo y por eso siempre es interesante escucharla. La última canción es nuevamente Atom Heart Mother pero en su versión integral con el coro y los cobres. Una excelente interpretación, y es uno de los periodos de la banda que más me gusta.

El segundo disco tiene cosas interesantes pero se podían haber dejado de lado sin mucho problema.
Cuando se reeditó el soundtrack Zabriskie Point, en 1997, se hizo un gran trabajo al incluir cuatro temas inéditos; el gran ausente en ese momento fue The Violent Sequence que finalmente fue incluido en el Immersion Box-Set del Dark Side of the Moon. Aquí tenemos una versión más corta, al igual que versiones alternativas de canciones que figuran en el soundtrack. Es una decepción pero lo mejor que tiene este disco, es el demo de Atom Heart Mother, es una obra casi terminada, muy similar a la versión en vivo. De hecho ese mi reproche, se podían haber incluido más material en vivo; los DVD lo compensan, tenemos dos conciertos aunque también me hubiera gustado tener las pistas de audio. Y sin duda el bonus es la versión cuadrafónica del Atom Heart Mother; es un lindo detalle, nos da la oportunidad de redescubrir el disco.

Volumen 5: 1971: Reverber/ation



Una de las canciones más interesantes de todo el box-set es la que abre este disco, Nothing Part 14; la historia es conocida, Echoes fue construida en base a una serie de fragmentos compilados bajo el rótulo Nothing, Parts 1-24, de ello surgió The Son of Nothing y The Return of the Son of Nothing. Creo que habría sido muy interesante dar testimonio de ese proceso; haberlo incluido satisface, en cierta medida, la curiosidad. Lo interesante en Pink Floyd es eso, es ver y escuchar la evolución de la banda; hay suficiente material que muestra cómo las canciones fueron construidas y cómo fueron evolucionando en escena. Lo que sigue es uno de los famosos In Concert de la BBC; comienza con una versión más interesante de Fat Old Sun, le sigue One of these Days (muy similar a la versión del Live at Pompeii) y Embryo; Echoes cierra el set. Me sorprende que no se hayan incluido más versiones en vivo, pues existen grabaciones de mejor calidad, como el Montreux  1971 y el concierto el Golden Hall de San Diego de ese mismo año. El DVD tiene  algunas versiones en vivo pero nada muy relevante.

Volumen 6: 1972: Obfusc/ation



El Obscured by Clouds, es uno de mis discos favoritos de Floyd, pero no sé si era necesario sacar un remix. El disco suena diferente, pero no encuentro mayores diferencias. Material en vivo de este periodo existe y es una pena que no haya sido incluido; es lo que falta sin duda, son las primeras versiones del Dark Side of the Moon. El DVD tampoco tiene  muchas sorpresas a excepción del audio del Live at Pompeii, que también fue incluido como un disco extra, lo que me parece redundante. Durante mucho tiempo hemos esperado una versión en disco de Live at Pompeii, en mi copia percibo problemas en el mix, mucha saturación en algunas partes, espero que no sea un defecto generalizado, pues opaca por completo el trabajo de remasterización.

Volumen 7: 1967-1972: Continu/atio



Uno de los problemas con las BBC sessions, es que el sonido no siempre era de buena calidad, por eso la banda nunca quiso compilarlas y comercializarlas. Este disco no tiene  cosas muy interesantes, sobre todo por la calidad del sonido, lo que se destaca es Blues,  Baby Blue Shuffle in D Major y Moonhead. Pero la cereza sobre el pastel es la versión de Echoes en el Wembley 1974 y al fin tenemos el concierto completo. La primera parte fue editada en Immersion box-set del Whish You Where Here y la segunda parte en el Dark Side, lo que faltaba era el encore. Aunque me gustaría tenerlo en un solo packing, creo que estoy satisfecho, pues al fin tenemos un concierto completo de ese periodo y esta versión de Echoes es genial, con las coristas y el solo de saxofón.

En resumen, es un box-set fenomenal, con mucho material inédito pero con sus pequeñas deficiencias que no le restan mérito el inmenso trabajo realizado. Yo me doy por satisfecho aunque todavía quedan muchas cosas guardas en las bóvedas floydianas.  

miércoles, 16 de noviembre de 2016

Dark Tranquillity - Atoma (2016)


Whatever they say, whatever they do just go

El último disco de Dark Tranquillity que realmente me marcó fue Damage Done del año 2002. Ahora realicemos un salto hasta el año 2016, hasta mi reencuentro con esta extraordinaria banda.

Primero corresponde señalar que en el peor de los casos este álbum contiene dos a tres canciones que posiblemente necesitaban más trabajo para que la calidad del resultado global termine siendo óptima. Además el arte de la portada no me termina de encantar y menos el nuevo logo compuesto de sus iniciales.

Dicho esto Atoma llega a ser musicalmente gratificante, digno del glorioso pasado de Dark Tranquillity. Como parte de la evolución cíclica de la banda, esta vez redujeron la agresión y más bien utilizan la distorsión y la voz gutural para construir un ambiente enfocado. A partir de impulsos bien estructurados, una serie de climaxes se distribuyen a lo largo del disco. En honor al mismo nombre de la banda, concentran sus fortalezas en contra de la futilidad, con sentido de urgencia y a la vez con calma.

Para este disco por supuesto que no se puede hablar de death metal melódico en el sentido puro del estilo. Estilo que prácticamente constituyeron en los 90s junto con In Flames. En el 2016 su sonido sigue el camino futurista y con pisca de influencia gótica. La experimentación en Atoma con respecto a la segunda parte de su discografía es prácticamente nula, sin embargo creo que rescatan clásicos modernos como Projector y Haven que parecen servir de plataforma para exponer una nueva tranquilidad enfocada. Con este disco llegan a un punto en su carrera en el que vuelven a dar en el clavo sin necesidad de ser demasiado extrovertidos. Alcanzando un equilibrio, eso si nunca perfecto.

Las voces limpias aparecen sólo en los momentos necesarios, mientras que la fluidez de los riffs juega con la maestría de los coros, todo esto flotando sobre la energía que crean los teclados. Por último, la dimensión que completa la sinergia que sitúa a esta banda entre las grandes, es la lucidez de las letras de Mikael Stanne, que consigue infusionar la música con drama, logrando no sin algo de ficción, la identificación de reflexiones y respuestas fundamentales.

Whether we rise or we fall
One for the night, one for the uncontrolled



lunes, 14 de noviembre de 2016

Glenn Hughes - Resonate (2016)


The Voice of Rock, Glenn Hughes; cuando todo el mundo pensó que estaba desahuciado, relanzó sorpresivamente su carrera como solista. Después de quince años y un par de colaboraciones, salió el segundo volumen de la serie L.A. Blues Authority (1992)  que en los hechos es el segundo disco de solista de Glenn Hughes, uno de los que más disfruto por cierto. Sobrio y con un renovado entusiasmo por la música, Hughes retomó las cosas donde las había dejado. No es mucho mi estilo de música, es un gran vocalista, bajista y compositor; un líder innato que le arrebató el control de Deep Purple a Ritchie Blackmore, pero a ratos me empalaga. No obstante, tiene el mérito de haber superado sus adicciones y desde entonces ha sacado muy buenos discos; el Burning Japan Live (1995), es un disco fenomenal y a diferencia de Gillan o Coverdale, Hughes canta con la misma fuerza y poder que ostentaba en los setentas. Me impresiona como su voz no se ha degradado en lo más mínimo. A Coverdale le cuesta llegar a los agudos y Gillan es un desastre desde finales de los setentas. 

Desde entonces, el bajista ha sacado once discos en estudio, cuatro lives y un EP; ello sin mencionar los discos que sacó con Tony Iommi, con Joe Lynn Turner, Black Country Communion, California Breed y Voodoo Hill; solo por mencionar algunas cosas. El más activo de todos los Purple. El Resonante, no es ninguna sorpresa es un disco muy al estilo de Hughes aunque más pesado, muy parecido al Addiction (1996) cuya agresividad me sigue consternando. Pese a que sus discos son bastante diferentes entre sí, mantienen una misma esencia y la manera como Hughes canta y compone, lo acerca más al soul y al funk, lo que  puede ser un poco tedioso al cabo de un par de discos. Si el Return of Crystal Karma (2000) es bastante plano, el First Underground Nuclear Kitchen (2008) tiene un rango musical muy amplio, desde el hard rock hasta algo de Bossa Nova; Soul Mover (2005) y Music for the Divine (2006), muestran bien las diferentes facetas de Hughes, pesado y melódico, con algo de pop; es la etapa más creativa del bajista. 

El Resonate es un claro regreso al hard rock medio funky, el estilo que viene desarrollando desde Trapeze. Lo primero que resalta es la voz de Hughes, difícil creer que tiene 65 años. Heavy marca el tono del disco, muy similar al estilo de Black Country Communion, fue el primer single y con eso sabemos por dónde va la cosa. Todo el disco es una variación de lo mismo, sólido y bastante pesado, hard rock de viejo cuño, buenos solos de guitarra, un gran trabajo de los teclados y una sección rítmica impecable. Pero para quienes seguimos a Hughes es más de lo mismo. Por ello, estoy más emocionado, con el nuevo disco de Black Country Communion, porque es un banda, aunque Hughes ahí también monopolizó el control creativo y es lo provocó su colapso. El bajista lo dijo, a su edad no tiene por qué negociar con nadie, puede hacer la música que quiera pero a veces es necesario ceder. Un grupo funciona mejor cuando todos sus miembros aportan ideas.

El Resonate un gran álbum, se posiciona fácilmente entre los mejores discos de rock del año; pero como fan, esperaba algo más. 


viernes, 11 de noviembre de 2016

Oceansize - Frames (2007)


Para esta nueva entrega, deseo compartir uno de mis discos favoritos de la vida y más recurrentes de mi playlist; Por ello, y en homenaje a la ya extinta banda y a los 9 años de la salida de este “Frames” van estas líneas.

Oceansize, fue una banda de rock/metal progresivo proveniente de Manchester Inglaterra, formada en 1998, compuesta por Mike Vennart (voces, guitarras y quien ya formó un proyecto de sonido similar al de Oceansize llamado Vennart y que es también recomendado), Steve Durose (guitarras y coros), Richard Ingram (guitarras y teclados), Mark Heron (batería) y Jon Ellis (bajo) por casi toda la carrera de la banda, con Steve Hodson remplazando a Ellis en el bajo en el 2006; con la clara idea de desarrollar su música a partir de géneros como el rock progresivo, el post metal, el post rock y a partir de su adhesión a bandas como Black Sabbath, Jane's Addiction, Tool, Pink Floyd, Mogwai y My Bloody Valentine, entre otras, decidirían trazar su camino y establecer su sonido propio.


En sus casi 13 años de existencia, lograron sacar 4 álbumes de estudio: “Effloresce” (2003); “Everyone Into Position” (2005); “Frames” (2007); y el “Self Preserved While the Bodies Float Up” (2010), disco que entraría entre mis favoritos de aquel año; además de 5 EPs y un álbum en vivo, justamente de la gira del “Frames”.

Muchas veces considerado el punto más alto de su creatividad musical, me incluyo en esa consideración, “Frames” es una obra compleja, profunda, llena de cambios en relación a sus anteriores trabajos. En el disco, la banda decidiría explorar nuevos sonidos, transformando los elementos más pesados de sus anteriores discos, en canciones mucho más largas, melodiosas, emocionales, y de estructura sumamente progresiva.

El disco, a lo largo de las 9 canciones que lo componen, denota claramente la necesidad de estos cinco músicos de lograr el sonido deseado desde el inicio mismo de la banda, esa búsqueda de la mezcla perfecta entre elementos musicales propios ya están establecidos y debidamente organizados y elementos asimilados de otras bandas y movidas, en un álbum que de principio a fin posee una fuerza muy bien cohesionada, donde lo técnico y lo emotivo se conjuncionan cerrando un círculo perfecto como en muy pocos discos.

En comparación, este es un disco menos pesado que el “Everyone into Position” y que el “Self Preserved While the Bodies Float Up” inclusive, aunque todavía hay temas como Sleeping Dogs and Dead Lions que tienen esa rapidez caótica característica de la parte más salvaje de la banda; aunque en términos generales, “Frames”, es un disco mucho más enfocado en sensaciones más calmas.

Y son justamente estas sensaciones las que convierten a este disco en el punto más alto de la discografía de la banda y lo apuntan de lleno en la historia del género, un clímax compositivo que permite el goce total de la música en toda su plenitud. 


miércoles, 2 de noviembre de 2016

Recomendaciones breves # 7

Para esta nueva y penúltima entrega del año de las breves recomendaciones de discos, tengo preparado 4:

Cardinal Wyrm – Cast Away Souls (2016)


Este trío de acaba de sacar su nuevo trabajo que consta de solo 7 canciones de buena duración y en el cual logran mezclar doom, psicodelia, heavy metal y rock progresivo de una manera particular, en una especie de aura fantasmal, afín al propio nombre del disco. De manera lenta, pausada y pesadamente, cada uno de los instrumentos se toma su tiempo, mientras diversas voces relatan las fábulas de estas almas desterradas. Un excelente disco de principio a fin. Vale mencionar que la nueva bajista de la banda es la gran Leia Abdul-Rauf de los Hammers of Misfortune...


Oozing Wound – Whatever Forever (2016)


Fue el año 2014 que conocí a esta banda, con su disco debut “Earth Suck”, un disco que además de tener una gran portada, fue acompañante de varios viajes y buenos recuerdos. Con su thrash/crossover psicodélico ácido y no muy fácil de digerir, vuelven este 2016 con 10 nuevas canciones que si bien continúan el camino trazado, le suman elementos progresivos que lo hacen aún más sólido sin perder la acidez y la particular perspectiva de las cosas de su primer trabajo.


Okkultokrati – Raspberry Dawn (2016)


El tercer discos de estos jóvenes lunáticos noruegos es realmente una joya, su extraña fusión de black, post punk, noise, hardcore y rock es algo que realmente poquísimas bandas hacen hoy en día. Las 8 canciones del disco presentan una idea clara y contundente.


Mouth of the Architect – Path of Eight (2016)


Para este 2016, y luego de 3 años desde la salida del “Dawning”, disco que tuvo una recepción entre buena y mala, la banda se presenta con una madurez acorde a lo expresado en este disco, donde han sabido sumar sutiles pero perceptibles elementos que hacen de este disco pueda ser escuchado de principio a fin sin inconvenientes, y que colocan una vez más a los Mouth entre las pocas bandas que todavía pueden con el post metal hoy en día, y sin caer demasiado en los cánones ya establecidos y repetidos por otras bandas. Probablemente su mejor disco...