Abbath (2016)

No puedo negar que Immortal es una parte importante de mi vida; antes que descubra a los Mayhem y los Emperor y todos esos, encontré el Son of Nothern Darkness, y por mucho tiempo ese era el único disco de black que podía tolerar. La sangre, los asesinatos, las referencias al diablo; todo eso para mí era demasiado. Y me adentré en el black hace poco, con un sólida distancia crítica. Creo que a esta edad, ni tan joven ni tan viejo, puedo disfrutarlo mejor; a mis catorce años era un mundo totalmente extraño y hermético.

Tampoco podemos negar el impacto que tuvo Immortal, sigue siendo una de las bandas más representativas de la escena, pero también ha despertado muchas críticas; la principal es que se trata de una banda que nunca ha evolucionado, siempre usan la misma fórmula, siempre el mismo tipo de letras, siempre el mismo sonido y a la larga pues se vuelve un poco tedioso. Si el Pure Holocaust es un clásico, uno de los pilares del sonido clásico de black, los otros discos caen un poco en el olvido. Pero aun así, Immortal genera mucha polémica, mucho debate entre los puristas. El Diabolical Fullmoon Mysticism tiene un sonido muy similar a muchos de los discos de esa época; creo que es la banda más accesible de esa escena. El Pure Holocaust, es más crudo y salvaje aunque está por debajo de Mayhem o de Emperor y ni hablar de Bathory. Creo que esa la principal crítica que se le hace, muchos consideran que es una banda de segundo nivel.  

La carrera de Immortal es bastante errática, el Battles in the North y el Blizzard Beast, se los considera discos muy malos dentro de la escena metalera; mientras que el At The Heart of Witnter, es un viraje casi radical; la producción es de mejor calidad, las composiciones son más arriesgadas, el trabajo lírico realmente sobresale. Y ahí comienzan las diferencias creativas, es el primer disco en el cual el Abbath asume el control de la banda pese a que el Demonaz sigue presente, supervisa el proceso de mezcla y asume las funciones de manager. El Dammed in Black todavía genera disputas entre gente que lo considera un clásico, gente que lo odia; no es un disco malo, pero podría haber sido mejor. Algo parecido sucede con el Son of Nothern Darkness, aunque ahí están las canciones que más escucho, One by One, Tyrans y Beyond the North Waves.  

Con todo creo que no se puede desmerecer el aporte de la banda; es una de las que más disfruto. Recuerdo que vi el disco y lo compré porque me llamó la atención la portada; cuando descubrí el Son of Nothern Darkness, no tenía idea del black, no sabía lo que era; el maquillaje me hizo recuerdo a Kiss, más oscuro y agresivo, pero la idea es la misma. Por más que los blackeros quieran negarlo, son tributarios de Kiss; Gene Simmons fue el primero en encarnar al demonio, el primero en escupir sangre y fuego, trucos escénicos que los blakeros llevaron a otro nivel. El cuero, las púas, el asumir un personaje en escena; eso era Kiss. El problema surge cuando un grupo se deja consumir por su imagen y en Immortal el personaje que todos recordamos, porque es el frontman, es el Abbath, es quien da la cara, quien tiene el maquillaje más reconocible y por eso fácil olvidar que Immortal era una banda; el Demonaz seguía escribiendo las letras y el Horgh tiene créditos de composición en casi todos los discos en los que participó.

De hecho el único disco de Immortal que le da todo el crédito por la música al Abbath, es el último, All Shall Fall; la banda ya tenía problemas, por el hecho que el Abbath se considera el propietario de Immortal. Después de la reunión y una gira triunfal se ahondaron las fisuras: qué grabar, cómo grabar, cuándo grabar. Tiempos dilatados, es claro que se trata de una banda disfuncional. El 2011, salió el primer disco del Demonaz; es diferente y a la vez muy similar, creo que tiene un contenido más folk. Pero con ese disco lo demuestra, el Demonaz puede cantar y componer, no lo necesita al Abbath; creo que ahí es la primera vez que consideró en sacarlo de la banda. La guerra de insultos, los conflictos internos, las batallas legales; en pocas palabras la querella se desata con el objetivo de determinar quien se quedará con el nombre de la banda, los copyright y la mercadería. 

Cuando el Abbath comenzó con su banda pues todos pensamos que era el final de Immortal, nadie pensó que los otros digan fuerte y claro que van a continuar sin él; pero habrá que esperar, para muchos es inconcebible si quiera pensarlo pero habrá que escuchar. El disco del Abbath sigue la misma línea; al igual que el disco del Demonaz es parecido pero distinto; me parece que es más sólido, supo rodearse de buenos músicos, el bajo y la batería hacen un excelente trabajo, y eso marca la diferencia con Immortal, pues el trabajo del bajo nunca ha sido muy relevante y la batería sigue un patrón bastante plano. Desde luego, no es el mejor disco del año, ni siquiera el mejor disco de black pero es un buen disco y vale la pena escucharlo aunque considero que el disco de I es superior.  

Nunca tendremos mar - Gato Diablo

Gato Diablo de izq. a der.: Fabian R., Jaime C., Espíritu y Bernardo R.

El videoclip “Nunca tendremos mar” de la agrupación boliviana Gato Diablo, fue seleccionado para formar parte de la exhibición Seismographic Sounds, organizada por la revista suiza Norient y que se lleva a cabo en museos de Alemania, Reino Unido y Suiza. Hasta la fecha, la exhibición ha pasado por el Forum Schlossplatz en Aarau (Suiza), el Zentrum für Kunst und Medientechnologie en Karlsruhe (Alemania); y actualmente se encuentra en el CTM Festival en el espacio de arte Kreuzberg en Berlin. 

Exhibición Seismographic Sounds

El año pasado me enteré que la muestra pasaría por mi ciudad y fue mucha mi alegría el saber que una banda boliviana comparte con el mundo, su propuesta. No dudamos con el Andy en visitarla y a pesar de que la muestra en si no es muy grande, resume increíblemente la cantidad de trabajo realizado por la revista Norient.

No había costo para el ingreso, así que comprar el libro de aproximadamente 500 páginas con imágenes a color y que recopila toda la investigación, transmite directamente el incentivo a este tipo de iniciativas.

La exhibición cuenta con instalaciones donde se proyectan y discuten videoclips, podcasts de audio, muestras fotográficas sobre música y arte sonoro de los videos seleccionados de diferentes partes del mundo. Esta muestra multi-autoral, pretende abrir debates sobre las nuevas diversidades en las culturas digitales. Según los organizadores, músicos de todo el mundo se hacen escuchar a través de Soundcloud, Youtube, Twitter, y otras redes. Cuyas canciones, videoclips y collages de audio, desafían las ideas y formas conocidas; proponiendo nuevas, inteligentes y provocativas, visiones del mundo. 

Exhibición Seismographic Sounds

El año 2013 los curadores de la muestra comenzaron pidiendo a músicos, DJs, periodistas, y bloggers de la cadena Norient, que mandarán sus cinco videoclips favoritos de sus respectivos países. Se recibieron dos mil videos, de los cuales fueron seleccionados 24. 

El videoclip de Gato Diablo, forma parte de la exhibición en la categoría "Belonging" (pertenencia), junto a otros artistas como Stromae (Bélgica), Burgerkill (Indonesia), Blank Banshee (Canada), Olimpia Splendid (Finlandia), Hail Mary Mallon (USA), Ana Tijoux (Chile), Los Tigres del Norte (México/USA) y muchos más. 

El siguiente, es el artículo original en español, escrito por Bernardo Rojas, integrante de la banda Gato Diablo y realizador del videoclip “Nunca Tendremos Mar”. El artículo en inglés publicado en el libro Seismographic Sounds, Vision of a New World, está basado en este texto y en una entrevista realizada a Bernardo.

Matando monstruos. Hazlo Tu Mismo 

Hola mi nombre es Bernardo, toco el bajo en Gato Diablo e hice el video de nuestro tema instrumental “Nunca Tendremos Mar”. 

Hablando de pertenencia, creo que un país es como una persona y como tal, cada país tiene también sus propios traumas. Los traumas dejados por la historia, las conquistas y guerras, son como monstruos que vienen repetidamente a nuestras pesadillas, son parte de nuestras identidades y comportamientos estereotipados. 

Aquí en Bolivia, la gente ha estado llorando desde hace más de cien años por la perdida del acceso al mar. Nos educan desde niños para recuperar este territorio perdido, así que es un gran símbolo patriótico dentro de la cultura boliviana. El título de “Nunca tendremos mar”, es como decirle a la gente: “¡Oigan acéptenlo, nunca tendremos mar!”, aunque suene ofensivo para muchas personas. Con Gato Diablo no tuvimos una intención política, solo tenemos un poco de humor negro que a veces puede ser políticamente incorrecto.

Supongo que hice el video con ese sentido del humor, mezclando viejas películas bolivianas con películas clase B de Hollywood. Hace diez años era mucho más difícil conseguir películas bolivianas antiguas, algunas de ellas podías encontrarlas en copias de VHS piratas y en pésimas condiciones de imagen. Empecé a coleccionarlas y digitalizarlas, y encontré un montón de buen material que podría usar, incluso los ruidos visuales de las cintas de VHS fueron un buen recurso. 

Exhibición Seismographic Sounds

Como el tema del mar, existen otros temas “sagrados” en la cultura y el cine boliviano. Por ejemplo, re-escenificamos en interminables variaciones cómo la cultura indígena se encuentra con la cultura occidental. En mi trabajo, juego con estas imágenes mezclando material de archivo que muestre estos estereotipos repetitivos.

Para el video de “Nunca tendremos mar” usé fragmentos de Ukamau, una película de Jorge Sanjinés sobre una mujer indígena que es violada y asesinada por un hombre mestizo. En lugar del hombre mestizo, puse al Monstruo de la Laguna Negra de una vieja película de horror Americana.

Otra película que escogí es Yawar Mallku también de Jorge Sanjinés, que relata sobre una comunidad indígena que recibe ayuda médica de los cuerpos de paz norteamericanos quienes están secretamente esterilizando a las mujeres indígenas. Cuando la comunidad se entera de esto, secuestran a los gringos y toman venganza.

Mientras cortaba las películas de Jorge Sanjinés, pude notar la influencia de Eisenstein en su trabajo, especialmente en la manera en la que combina secuencias de imágenes para enviar mensajes políticos. Ese factor me pareció interesante para aplicarlo en la técnica de video mash-up: No solo se trata de hacer un collage de dos o más videos; sino de hacerlos lucir como una unidad completa, con una nueva narrativa, concepto y ritmo. Al editar video, las teorías de montaje soviético son importantes para mi; me gusta seguir estos conceptos, así como lo hice para el video de “Nunca tendremos mar” en 2012.

Exhibición Seismographic Sounds

Por entonces no sabía que el tema del mar se convertiría en un asunto tan importante en en el país, tanto para la política internacional como para las artes. Por una lado, en mayo de 2015 Bolivia llevó la disputa del mar a la Corte Internacional de Justicia, pidiendo a Chile negociar un acceso al Océano Pacífico.

Por el otro lado, estamos en una era en la que el gobierno boliviano brinda apoyo a todo tipo de “artistas” (músicos, artistas plásticos, cineastas, etc.). En 2013 fundaron una competencia anual de arte llamada “Premio Plurinacional Eduardo Abaroa” en la que premian con dinero a cientos de artistas. ¿Qué hay de malo en esto? Eduardo Abaroa fue uno de nuestros héroes de la Guerra del Pacífico; y de acuerdo a las reglas, para participar debes direccionar tu arte hacia temas claramente definidos: nacionalismo, la recuperación del mar, reivindicaciones indígenas y otros temas relacionados con el discurso chauvinista del gobierno. 

Ese es el nuevo espíritu del arte y la música en Bolivia, y hasta hicieron un himno para ello: En marzo de 2015, treinta y cinco artistas comerciales* hicieron una canción colaborativa llamada “Las playas del futuro”. El extraño contraste que ese título genera con nuestro “Nunca tendremos mar” me hace reír. Obviamente ese montón de payasos interpretaron su canción en la gala de los Premios Eduardo Abaroa.

Pienso que la tendencia nacionalista del arte en Bolivia es solo oportunismo hipócrita. Esa es la razón por la que siempre prefiero trabajar de manera realmente independiente, y es por eso que Gato Diablo se basa en la ética “Hazlo tu mismo”.

(*) En Bolivia solo se tuvo un par de artistas comerciales que firmaron con sellos discográficos internacionales. A finales de los 90s, las grandes compañías discográficas dejaron el país debido a la piratería y esta tuvo el poder de matar la industria musical mientras que permitió a la gente tener más acceso a la información.

Para escuchar el trabajo de Gato Diablo, pueden visitar su Bandcamp y descargarse sus discos gratuitamente!

David Bowie - Blackstar (2016)

Nunca he sido fan de Bowie, hay algo en su timbre vocal que no llega a convencerme; todavía no he hecho las paces con Ziggy ni con Aladin; reconozco el impacto cultural que tuvieron, pero nunca me gustaron como discos. La muerte de Bowie genera una conmoción pues pocos artistas han podido adaptarse a diferentes épocas y seguir siendo relevantes; la influencia que tuvo rebasa la música y se expande por el rock y el pop, la moda y el arte algo que también es bastante inusual. No lo voy a negar, si Bowie no hubiera muerto, tal vez nunca hubiera escuchado este disco. Creo que lo planificó de esa manera, como una jugada maestra. Es desgarradoramente sincero, tétrico y sin embargo alegre. 

 

No conozco bien la trayectoria de Bowie, no puedo situar al disco dentro del desarrollo conceptual del artista, pero que si puedo afirmar es que me gustó desde un inicio. Es un disco fuera de toda norma, está dentro de su propia categoría y dentro de su propio universo. Es tan diferente de la música que suelo escuchar; siempre he sido reticente a la música electrónica, pero aquí funciona bien; más cerca del jazz que del rock, es una muestra clara del estilo ecléctico de Bowie. La última obra maestra, creo que así lo diseñó, el último eslabón en una carrera de tan fértil. 

Creo que recordaremos a Bowie como eso, a Blackstar; el vació inconmensurable. Es una canción épica, muy oscura, es un adiós; estar consciente de la muerte le da al disco una tonalidad trágica, pero es claro que fue concebido como un regalo; sale el día de su cumpleaños, es la ofrenda que él mismo le hace a sus fans. Sacar un disco en esas condiciones es de por sí loable, es pura devoción al arte, es un acto de entrega y de sacrificio, lo más noble que un individuo puede hacer. Es un disco tan atípico que no encaja en ninguna categoría. En comparación The Next Day, es un disco mucho más convencional, más dentro mi idea de lo que es Bowie. Por eso el Blackstar es una obra maestra, porque rebasa el estereotipo y redefine el legado. 

Es la mejor manera de despedirse del mundo; celebrando la vida, lo que se es y lo que quedará. Bowie hablando de sí mismo, de la leyenda, del amor, de la industria, de su humanidad. Tiempo es lo que nos falta y tiempo es lo único que tenemos, I can’t give everything away…   

Recomendaciones breves

Para la primera entrega de este 2016, inicio con el post de las breves recomendaciones que me gusta hacer de cuando en cuando, para ir descubriendo principalmente bandas nuevas; en esta ocasión propongo cuatro discos de una línea similar para su recomendación y experimentación total.

Entropia – Ufonaut (2016)

Ya esta banda polaca se situaría como una a tener en cuenta cuando el 2013 sacarían su disco debut “Vesper”, un disco con una idea bastante clara de querer experimentar con sonidos blackeros y post metaleros de manera interesante. Para este 2016 y tres años después de su debut, estos 5 jóvenes y excelentes músicos, llegan con su nueva propuesta “Ufonaut”, un trabajo mucho más concreto y sólido que su primera entrega, donde esta vez, además de su base musical mencionada, le añadieron nuevos sonidos y principalmente mayor experimentación, haciendo de este disco uno de los más interesantes en este mes y medio.

https://entropia.bandcamp.com/

Pogavranjen - Jedva čekam da Nikad ne Umrem (2016)

Esta banda croata, acaba de sacar su tercer LP, “Jedva čekam da Nikad ne Umrem” que traducido al español viene a ser algo así como ‘espero nunca morir’, y cuenta con la clara fascinación por el movimiento black/rock avantgarde progresivo liderado bandas como Ulver, Arcturus, Covenant, Dodheimsgard, Virus, etc. Un disco de 6 canciones que invitan a viajar por los más indescifrables y oscuros parajes de la mente, mientras lo progresivo y hasta jazzero de su música, guían.

https://pogavranjenband.bandcamp.com/

Eight Bells – Landless (2016)

Para este segundo trabajo de las Eight Bells, el trío femenino procedente de Portland Oregon, presenta un disco tan etéreo como impredecible y progresivo, una propuesta fuerte, muy en la línea de las Subrosa, y con muchas ganas de posicionarse como otra de las bandas fuertes de este movimiento. Sumamente recomendado.

https://eightbells.bandcamp.com/

Brand Jord – Ont Krat (2015)

Finalmente, un disco del año pasado pero que no quisiera dejar de mencionarlo, teniendo en cuenta de que creo que es un disco que se escapó a muchos de nosotros melómanos en todo el orbe y que con el tiempo debido hubiera estado en mi top de lo mejor del año pasado. Banda sueca compuesta por tres músicos que cuentan en su haber dos trabajos, siendo este “Ont Krat” su más reciente entrega.  Un disco que con su black progresivo y toda su rareza y locura apuntan a ser seguidos por varios radares. 

https://braendjord.bandcamp.com/album/ont-krut

Review HDDT IV (Dinamarca)

El 29 de Abril en la madrugada, el Andy y yo partimos en tren hasta Hamburgo y luego en otro hasta Copenhague, de por medio con un trasbordo en barco para cruzar el mar. Un viaje de más de 10 horas que nos sirvió además para pasear un poco por los alrededores y prepararnos para lo que sería la última edición del Heavy Days in Doom Town (se puede leer más sobre su historia en mi anterior post).

Volvía luego de tres años, en aquella oportunidad aproveché para hacer turismo y me quedé intrigada con esta antigua, pequeña pero pujante cuidad. Tengo una imagen que se me quedó en la cabeza: un edificio de departamentos, bastante moderno y cuya fachada era totalmente de vidrio, no me atreví a sacar una foto... una de esas noches me quedé observando lo que había dentro, era como ver un vitrina, todos los departamento eran duplex y se veían muy bien amoblados, cada uno tenia algo especial, sino eran libros, eran guitarras u obras de arte. Todos muy iluminados, cada piso incluso de diferente color, fue difícil no apreciarlos. Esto es quizás una gran diferencia de lo que entendemos cada uno, por "privacidad".

Una de las zonas turísticas

El jueves 30 era la apertura del festival en uno de los centros culturales de la "libre ciudad de Christiania", aquí vale la pena hacer un paréntesis. Es un barrio "autónomo" ubicado en una antigua área militar y que fue ocupada a principios de los '70 por un grupo de personas (actualmente unos 800) con la idea  de crear una comuna libre del estado danés. El comercio de marihuana y otros era, hasta hace una década, aceptado pero debido a varios conflictos se trata ahora de regular su venta. Además de tener una gran actividad cultural, es considerada una de las mayores atracciones de la ciudad, debido además a su "progresivo y liberal estilo de vida". Por donde uno camine, se puede ver varias de sus prohibiciones: robar, violencia, armas, drogas fuertes, carros, tomar fotos, chalecos antibalas, colores de pandillas.

En mi anterior visita festejaban justamente el aniversario 40, no voy a negar que es una experiencia diferente pero Christiania es más un lugar para ir a fumarse un joint, como lo hacen muchos y eso bajo los ojos de gente que camufladamente controla que no haya algún "mirón". Sigo pensando en que es un lugar incomodo con un sentimiento de inseguridad, o por lo menos eso sentí desde la primera vez. Bueno otra historia que quizás algún rato la cuente.

Artwork de las cuatro ediciones del HDDT

El bar Loppen, ubicado en este barrio autónomo es muy conocido de igual manera desde los años 70, fue donde se realizó la inauguración. Este primer día fue más que nada para socializar y recoger las acreditaciones y el Heavy Package. Había además una pequeña muestra de arte con los trabajos de The 13th Sign Collective, unas diseñadoras polacas que residen en Berlín y que se encargan de todo el diseño del festival. Como también, trabajos de Marald van Haasteren quien diseña el arte de varias bandas. El último día conversamos con él, tenía a la venta un gigante screen print de High on Fire, que el Andi compró, y fue muy gentil en regalarnos otras pequeñas muestras.

No alcanzamos a ver la presentación del grupo danés de garage psych blues, Myreskaer, quienes animaban la muestra. Mientras hacíamos hora para Gas Giant, tuve la impresión que la mitad de los asistentes eran alemanes (calculo habían unas 200 personas) y tuve la grata oportunidad de conversar un poco con Daniel, el organizador. Los Gas Giant son bastante apreciados ya que son pioneros del psych stoner en Dinamarca, tienen buenos temas pero se separaron hace ya tiempo y se reúnen esporádicamente para tocar, su set que está conformado con temas a la onda setentera y otros más metaleros, algunos clásicos entre sus seguidores. 

New Keepers of the Water Towers

Para mi el festival comenzó con New Keepers of the Water Towers, estos suecos y su sonido psicodélico y espacial con sintetizadores dieron el ambiente ideal. Con solo dos temas en un set de 40 minutos, fue sin duda la banda del día. Finalmente era el turno de Castle, banda de San Francisco liderada por Elizabeth Blackwell en el bajo y voces, un trió bastante potente con un heavy metal con toques thrash y doom muy del agrado de muchos, los cuales agotaron hasta el último vinilo que tenían disponible.

Entrada al Ungdomshuset

Desde el segundo día el festival se realizó en Ungdomshuset, otro centro cultural que se caracteriza por su slogan "No Racism, no sexism, no homophobia/heteresexism, no violence and no hard drugs". Es un centro juvenil punk donde se realizan diferentes tipos de actividades. Llegamos un poco después de las cinco, queríamos ver aunque sea algo de Black Cobra, dúo norteamericano de guitarra-bateria que se caracteriza por un denso sonido doom sludge capaz de llenar cualquier ambiente, cabe destacar  que su baterista de origen latino, formó parte de otras reconocidas bandas, escuché incluso un tema con letras en español.

Cada hora tocaba una banda intercambiando el escenario, existen dos ambientes en este centro juvenil, el Main Stage que además tiene un segundo piso en forma de balcón donde se podía apreciar varias piezas de la exhibición de arte (hablaré sobre el mismo al final del post) y el Dodsmaskinen, uno más pequeño y al cual solo pude entrar un par de veces ya que siempre estaba lleno y si me quedaba atrás igual no veía nada. Había que planear bien que ver y eso significaba llegar antes para estar adelante y perderse la banda que tocaba en el otro escenario.

Lista de artistas invitados

Así que el primer día entre los cambios de bandas, aprovechamos de visitar el pequeño Art Market. Esta exposición se realizaba en la biblioteca continua al lugar del evento, un edificio moderno y que además sería el lugar de encuentro para el Taste the Doom, el día sábado. Debo destacar esta idea, de dar la oportunidad a los artistas en general y a sus trabajos. Existe no solo un mercado para los artículos fonográficos sino además para la parte visual y material.

Volvimos al escenario principal para ver a Acid Witch, banda de Detroit que mezcla toques doom con teclados al estilo película de terror, el vocalista además toca un pequeño sintetizador, la banda tiene un toque burlesco que se adapta muy bien a su música. Eran ya las 8 de la noche y se sentía aún el frio invernal y la brisa marina. Por cierto la comida vegana estaba mejor de lo que esperaba, mi favorito fue el "chili sin carne con nachos".

Horizont

Para los suecos Horisont, el lugar estaba tan lleno (quizás unas 500 personas) que por suerte aproveché de subirme a unas bancas a los costados (luego se convertirían en mi lugar estratégico para ver y sacar fotos). Había escuchado hablar tanto de esta banda, que confirmé su calidad en vivo, riffs hard rock y toques setenteros, muy buenos músicos. Tienen una presencia en escenario, con look incluido, que logra ganarse al público. 

Mientras esperábamos para ver a los canadienses de Dopethrone ya se percibía a la gente prendiendo un joint... ya no estoy acostumbrada al humo ni tampoco fumo, era más que obvio que iba a acabar un cacho horneada. Subimos al balcón para ver un poco de Acid King, ya los había visto antes y su playlist stoner sonaba al mismo de la última vez así que aprovechamos de ver las obras de los artistas radicados en España "Cuero de Cuervo" y su altar. Nos perdimos a Night Viper en el pequeño escenario, me fue imposible, solo pude ver sus cabelleras pero sonaban muy bien con su heavy old school.

Dopethrone

Quería ver a Dopethrone de cerca y sacar fotos, ya era la 1:00 am así que el ambiente y una banda con semejante nombre no dejaba mucho a la imaginación, la gente hizo lo mismo. Es un doom con voces guturales de alguien que al parecer nunca ha dejado de fumar y que tampoco lo hizo sobre el escenario, el vocal se toma muy a pecho la actitud de que si no te gusta te puedes ir a al mierda. Un set muy intenso...

El día sábado a las 4:00 pm, como mencioné antes se realizaba el Taste the Doom, llegamos con dos amigos más que nos acompañarían en la mesa, recuerdo que uno de los organizadores digo algo como "prepárense para una sesión de buenos whiskys y música que van a la par, no olviden tomar agua entre uno y otro, es seguro que acabaran borrachos". La degustación incluía un setlist de temas muy bien pensados, antes de probar cada uno se realizaba una introducción, la idea es de por si muy buena y si para el quinto whisky ya sentía los efectos. Antes de terminar esta sesión, la banda de folk psicodélico Ill Wicker, entró a prepararse. Tenían toda una onda hippie, con proyecciones y un show de luces a cargo del atista Stojs.

Mirror of deception

La degustación duró dos horas, así que me perdí la banda japonesa Guevnna. Llegamos eso sí para ver a Mirror of Deception, una banda alemana de doom melódico que no toca muy seguido, celebraban su vigésimo quinto aniversario, con un par de shows incluido este.  Me hubiera gustado además escuchar a los hippies, otros comentaron que estuvieron muy bien.

Era ya tarde para entrar a ver a la banda italiana Epitaph, así que hicimos hora para ver a Serpent Throne, una banda instrumental gringa que tocaba por primera vez en Europa, a pesar de algunos problemas técnicos, su actitud graciosa al presentar los temas se ganó al público, buenos riffs estilo Black Sabbath. Planeamos no perdernos a los finlandeses de Profetus que escuchamos en la degustación, yo quería ver Conan así que decidimos ver casi todo su set y salir antes para ir al escenario pequeño.

Conan la rompió como siempre, extremadamente potente (se sentía como vibraba todo) y tan intenso que el dolor de cuello fue inmediato, antes de que acabarán salimos para ir adelante y ver a Profetus, un ultra intenso y lento funeral doom que con tres guitarras ayudaron a entrar en trance, y a mi a descansar un poco. Solo quedaba ver Bongzilla, así que el ambiente no era muy diferente al día anterior, un doom super heavy stoner que acabó con todos los presentes, buena banda en vivo.

Capilla Ardiente

Y así llegó el último día. Por sugerencia llegamos temprano para ver a King Dude, quien junto a su guitarra y carisma, lograron animar a la gente con un par de bromas y un blues muy oscuro, tiene un sonido se podría decir bíblico acompañado de una atmósfera con velas. Quería ver a Capilla Ardiente, que es una banda chilena con miembros de Procession (vocal y bajista), quienes demostraron que en en Sudamérica también hay buen doom. Con influencias de raw heavy metal y thrash, esta banda en su primera gira europea dejó un buen animo para empezar la última jornada del festival.

Night Profound

Después nos cambiamos al pequeño escenario para ver a Night Profound, una banda dark folk canadiense muy interesante, las guitarras acústicas y otros elementos lograron recrear muy bien sus composiciones. Era la primera vez que tocaban en Europa, y tuvimos la oportunidad de hablar con ellos el primer día, así que se sentían los nervios por esta su primera experiencia.

Abysmal Grief

Volviendo al escenario principal para ver a la leyenda italiana de Abysmal Grief y su  doom de horror, que es como ver a King Diamond me imagino. La banda logra ese efecto burlesco con todo una escenografía de "iglesia". Geniales, doom para bailar. Mientras llegaba a su final el festival, subió a este mismo escenario Hooded Manace, estos finlandeses que también usan a las películas de terror como inspiración, como se escucha en algunas de sus intros de clásicos españoles del género, y su doom con toques death de principios de los 90, el público enloqueció.

Bell Witch

Pero nada de lo que habíamos visto nos preparó para cerrar el festival con Bell Witch. Si dos tipos en escenario pueden sonar como que el fin del mundo se acerca, estos son definitivamente los indicados. Si te gusta el funeral doom y Sunn O))), esta es tu banda. Incluso teniendo protectores para oídos uno se quedaba un cacho sordo y sentía como debajo mis pies todo vibraba, fue tan intenso que solo logré sacar un par de fotos porque estaba en trance y para cuando quise bajar a fotografiar, ya había terminado, fue corto quizás, no lo sé, pero que gran banda!.

Hooded Manace

Un muy merecido reconocimiento para toda la organización, este fue un verdadero evento de lo que significa el "Do it yourself", muchos voluntarios, según la organización entre público y ellos, unas mil personas fueron parte de esta edición. Quizás lo único que podría criticar es la falta de algún sistema para recoger las botellas, así que al final de la noche había que tener cuidado donde caminar. Este es sin duda un festival que será recordado por muchos, con algunas de las bandas más pesadas de la actual escena underground mundial.

Pueden ver el álbum completo del festival aquí.

Motörhead - Los Años Dorados (1975-1982)

Lo veíamos venir y aun así la muerte del Lemmy nos tomó por sorpresa; realmente es admirable que haya tenido la fuerza para terminar la gira Europea. Ese último concierto, 11 de diciembre 2015, con un Motörhead tan ruidoso como siempre pero con un Lemmy que apenas puede cantar y balbucear unas cuantas palabras, le pone un punto final a una carrera tumultuosa; la banda más salvaje y controvertida, en su momento, los pioneros que le dieron sus rudimentos básicos al metal extremo. Motörhead es una de las bandas más influyentes de las últimas décadas, admirada por igual por metaleros y punkeros, algo de por sí bastante inusual; por eso la muerte del Lemmy deja un vacío incómodo, era una de las figuras prominentes del metal, un personaje fuera de lo común, un ícono, un dios inmortal; su peculiar carisma, su sinceridad desgarradora, su extraordinario timbre vocal, su obsesión con los nazis, con el rock and roll y las mujeres fáciles. 

Como muchos adolescentes de su generación, su encuentro los Beatles fue decisivo; esa actitud irreverente es lo que caracteriza al rock, lo sedujo desde un inicio: las mujeres, la fiesta, burlarse de los valores de la sociedad inglesa sin que nadie se dé cuenta. Se unió a los Rockin’ Vicars en 1965; la banda se hundió tan rápido como surgió, sacaron varios singles que luego fueron copilados en un disco; es muy interesante escucharlos, son las raíces musicales del Lemmy, es el tipo de música que haría toda su vida, la innovación de Motörhead radica en el sonido, en la forma como el Lemmy toca el bajo. Los Rockin’ Vicars suenan como cualquier banda de ese entonces, estaban condenados a caer en el olvido. El salto decisivo, lo da en 1967 cuando se muda a Londres y se une al equipo de la Jimi Hendrix Experience. A parte de armar equipos y luces, su trabajo principal consistía en conseguir drogas; ahí tuvo su primer encuentro con el bajo mundo, esos lugares inverosímiles donde se podía comprar las sustancias más tóxicas; cinco ácidos al día, esa era su rutina. Ahí comienza la leyenda; en 1969, su chica, que por conveniencia resultó ser una enfermera, se robó un frasco de sulfato de atropina, pensando que eran anfetaminas. El Lemmy ingirió un equivalente a doscientas veces la dosis mortal; fue un milagro que haya sobrevivido; incluso después de varias semanas de haber sido dado de alta, aún tenía alucinaciones esporádicas. Un hueso duro de roer; esa resistencia a las drogas lo convierte en un mito. 

De esa vivencia como roadie y en gratitud a su propio equipo de trabajo, escribió We are the Roadcrew, cuya letra da testimonio de las hazañas de una banda particularmente destructiva. En 1971, después de haber hecho varias audiciones, se une a los pioneros de space rock, Hawkwind con los cuales grabaría tres discos emblemáticos, incluyendo el Space Ritual, al cual le tengo mucho afecto. La mano del destino, un bajista que no se presenta al ensayo, un bajo en el estudio y el Lemmy que nunca titubeó en la lanzarse a la aventura. Sin ese elemento fortuito, Motörhead no habría existido; fue despedido de Hawkwind por haber sido arrestado en posesión de cocaína. Es bastante irónico que la banda stoner por excelencia expulse a uno de sus miembros por consumo y posesión de drogas. En junio de 1975 junto con Larry Wallis y Lucas Fox funda Bastard; ante el poco atractivo comercial de un nombre tan controvertido, Lemmy acepta la presión de la casa disquera y decide llamar a su banda Motörhead, el nombre de la última canción que grabó con Hawkwind, y que muestra muy bien su afición por las anfetaminas, rápido y furioso, el nombre caracteriza bien a la banda. Lo curioso en Motörhead es que desde un inicio se encuentra directamente ligado al movimiento punk; la idea es muy simple, hacer música ruidosa y bastante básica. Un rock and roll más agresivo; es el eslabón perdido entre el hard rock, el punk y el metal, reúne a esos tres mundos y aun así la banda logra establecer un sonido que los caracteriza y los diferencia de cualquier otra banda. 

Durante las sesiones para el primer disco, Lucas Fox fue reemplazado por Phil Taylor, un cuasi indigente con una notoria afición por las drogas duras; siempre andaba presumiendo que era un baterista, el Lemmy nunca le hizo caso y lo invitó al estudio porque no había nadie más disponible. Taylor era el baterista que necesitaba; el primer disco dista mucho de la imagen que conservamos de Motörhead, el sonido se está definiendo, todavía es muy cercano al rock and roll tradicional pese a que la voz del Lemmy es un aliciente. La casa disquera no estaba satisfecha y anularon el contrato, nadie en su sano juicio podría pensar que la banda tenía potencial. El disco no fue distribuido y recién salió a la venta el 79, cuando ya tenían una reputación consolidada en Europa. En 1976 se incorpora Eddie Clarke como segundo guitarrista, dictaminando la salida de Wallis. Sin más material que un disco que nadie quería distribuir, el trio decidió dar un último concierto. Querían grabarlo pero no tenían el dinero, y entonces recibieron la oferta para grabar un single. En dos días grabaron once canciones; a diferencia del primero, el disco epónimo tiene un mejor sonido, los arreglos están mejor estructurados y en regla general el resultado es de mejor calidad. Pero en realidad, Motörhead, como banda nace y define su sonido en el siguiente disco, Overkill. 

La canción que abre el disco, marca el patrón sobre el cual se va a desarrollar todo el metal extremo; Animal Taylor es el primero en utilizar la brutalidad de la doble pedalera. Hay grandes antecedentes, Ginger Baker, Keith Moon y el buen Nick Mason, contemporáneos también, Tommy Aldridge y Cozy Powell pero Taylor lo hace con una furia y a una velocidad que inicia por sí mismo un nuevo estilo. Overkill marca una ruptura, de esa violencia frenética nace todo lo que será el speed y el trash, el death y luego el black. Todavía tiene un sonido rudimentario, pero esa batería es el elemento clave y Motörhead no habría sido lo mismo con otro baterista; es la combinación de esos tres elementos lo que le da a la banda una identidad propia. En ese momento, 1977, ninguna banda sonaba así; si Deep Purple fue la banda más ruidosa a mediados de los 70, Guinness World Record por cierto, ese trio era la banda más ruidosa del planeta a fínales de esa misma década. Es la producción sucia, el rock and roll frenético y la voz del Lemmy lo que atrae la atención de la comunidad punkera y del incipiente mundo del metal; en ese momento, era la banda más extrema, en todo sentido, dentro y fuera del escenario. El resto del disco es igual de violento; sin mencionar las letras, el inconformismo sardónico que tanto nos gusta y con el cual nos identificamos. Cuando el disco fue reeditado el 96, que es la versión que tengo y el primer disco de Motörhead que compré, el disco copila todos los singles que no fueron incluidos en el LP original, incluyendo la infame versión de Louie Louie, que dejó consternado al presidente de Bronze Records que estuvo a punto de cancelar el contrato. El disco también fue un éxito inesperado y lanzó la carrera de la banda, le valió su primera aparición en Tops of the Pops.  

Para el Bomber, las condiciones en el estudio fueron aún más difíciles; no tenían material, grabaron ideas inconexas que no fueron trabajadas en el escenario, por eso el Bomber parece un disco más flojo. Jimmy Miller, el mítico productor de los Rolling Stones, estaba demasiado metido en la heroína; nunca se presentó al estudio. El disco se fue armando de manera errática y sin el apoyo de un productor la banda vagó sin rumbo. Cabe destacar que aquí comienzan las tensas relaciones entre Eddie Clarke y el Lemmy. Motörhead fue diseñada como una banda pero en ella el Lemmy ejercía un liderazgo natural; la disputa se genera por el hecho que Clarke quería cantar más; existe una versión de Stone Dead Forever con Clarke en la voz principal; fue descartada, como muchas de las propuestas del guitarrista. Pero tal fue la insistencia que el Lemmy lo obligó a grabar Step Down; después de eso quedó claro que en la banda sólo había cabida para un vocalista. El Bomber, también fue un éxito y consolidó el lugar de Motörhead en la escena Europea. Las giras intensivas, el ruido, las mujeres, las drogas, es el espíritu del rock and roll. Aprovechando la ocasión salió a la venta el On Parole y luego un EP The Golden Years con canciones en vivo, luego incorporadas en la reedición del Bomber.  En agosto de 1980, entraron al estudio grabar el disco más emblemático de toda su carrera, Ace of Spades. 

Es una temática muy recurrente en la banda: triunfar pese a la adversidad; un grupo odiado que de pura suerte sacó un contrato, un tipo feo que se alza a todas las mujeres, una drogadicto desaforado pero culto y educado. El as de espadas es la mala suerte y es lema de la banda Born to lose live to win. Es difícil explicar el éxito del Ace of Spades; en sí no difiere mucho de los anteriores discos. La producción es de mejor calidad, es un trabajo más profesional pero todo lo que es Motörhead, todo su legado se condensa en esta placa. Es la canción que todo el mundo recuerda, el disco que todo el mundo cita y que opaca por completo todo el trabajo de la banda. Es un estigma pero la personalidad del Lemmy era tan fuerte que pudo rebasar ese estereotipo unidimensional. Con el Ace of Spades, Motörhead conquistó el mundo, y es uno de los discos más influyentes en la consolidación y emancipación del metal. Para mí el disco que lo cambia todo y es el que más escucho es el No Sleep’ til Hammersmith, porque reagrupa lo mejor de esa época y en vivo las canciones tienen más fuerza. Siempre me va a impresionar lo ruidoso que pueden llegar a ser. Son los años dorados, ninguna banda tenía esa fuerza, ese aguante para las fiestas; detrás de escena nunca faltan el alcohol, las drogas y las mujeres; la comida escaseaba, y la fiesta podía continuar por días. Es un ritmo de vida muy intenso y aun así el Lemmy tenía el tiempo de leer. Una apasionado de historia, un coleccionista de la Segunda Guerra Mundial. 

Sin duda es el punto culminante en la carrera de la banda, fue una de las giras más exitosas, de las más locas también; después vinieron todos los problemas. Las sesiones del Iron Fist fueron tensas; repiten la misma fórmula pero también da la impresión que es un disco más flojo. Es el último de la era dorada y cierra un ciclo. Y lo que falla es la producción y el Lemmy fue enfático en ello, fue un error haber dejado que Clarke lo produzca. Es una relación tensa, la banda tiene un sonido muy peculiar, tiene un estilo para grabar y cuando el productor dice que no está contento o cambia el sonido, se generan riñas; trabajar con un grupo de drogadictos tampoco es una tarea muy sencilla. La banda no estaba en su mejor momento. Taylor es uno de los mejores bateristas de su generación, pero su consumo de drogas disminuía su habilidad y cuando el productor le jaló las orejas hizo su berrinche y Clarke lo alentó. El Lemmy siempre fue muy profesional, muy receptivo a la crítica aunque a todo el mundo le quedaba claro que él tenía el control creativo de la banda. Pero le fue muy difícil reconciliar a la banda con la producción. Es claro que el sonido es muy inferior al Ace of Spades, pero no es un mal disco; durante la gira la relación con Clarke llegó a un punto muerto. La banda ya no estaba funcionando y claramente el segundo disco, en la edición de lujo, da testimonio de una banda que ha perdido fuerza.  

Wendy O’ Williams, podría decirse que es casi una versión femenina del Lemmy, más sexy y obscena, también atrajo la atención de Gene Simmons y el primer disco de la princesa del punk es casi un disco de Kiss. Antes de eso el Lemmy la cortejó y grabaron un single que Eddie Clarke repudió; como bien dice el bajista, Clarke se iba de la banda cada dos semanas, pues esta vez nadie lo volvió a llamar. Sin duda fue la mejor formación, la más emblemática, pero también la más destructiva. La historia de Motörhead no termina ahí, todavía falta un largo recorrido, pero por ahora lo dejamos aquí.